La exposición de la diáspora africana muestra la solidaridad transformadora y el legado de la esclavitud – problemas globales
Antes de la Día internacional de recuerdo de las víctimas de la esclavitud y el comercio de esclavos transatlánticos El 24 de marzo, las Naciones Unidas (ONU) presentaron una nueva exposición que examinó los temas de igualdad y solidaridad transformadora en el contexto de la diáspora africana.
Las historias de nosotroscurado por la organización del mismo nombre y el Programa de Alcance de la ONU sobre el comercio y la esclavitud de los esclavos transatlánticos, presenta una serie de esculturas de los artistas Alanis Forde, Francks Deteus, Láolú, Leasho Johnson y Marryam Moma. El objetivo de la exposición period mostrar la importancia de la inclusión, la cultura, el progreso y la libertad de la perspectiva de los artistas afro-descendientes. La historia del comercio transatlántico de esclavos, sus ramificaciones, así como el racismo y la discriminación duraderos que sofocan un futuro inclusivo son algunos de los temas esenciales en esta colección. La exposición de esculturas está abierta a todos los visitantes en la sede de la ONU en la ciudad de Nueva York hasta el 25 de abril.
El artista nigeriano Láolú explora los orígenes de la diáspora africana, particularmente la cultura yoruba, en la escultura AFROMACIÓN AFROMACIONCOMACIONES. Esta pieza monocromática representa una serie de figuras estilizadas para parecerse a las pinturas yoruba tradicionales junto con varios símbolos, incluidos los ojos, los corazones y un tambor.
Además, se incorporan frases como «talento», «hermosa», «no como nosotros», «propósito» y «coraje» en esta pieza para describir la diáspora africana. Según Láolú, esta pieza no es solo una celebración de la identidad negra y sus orígenes, sino también una respuesta a la pérdida de la cultura como resultado del racismo.
«Esto se ha convertido en una parte muy importante de mi conciencia desde que comencé a vivir fuera de África occidental, donde nunca había experimentado el prejuicio cotidiano que existe en otros lugares. Los recuerdos de aquellos que se han convertido en antepasados demasiado pronto nos llaman a defender y con el otro para demandar y trabajar por el cambio.
Escultura del artista nigeriano nigeriano Marryam Melanina machina Se centra en temas de avance tecnológico y comunidad. Se pueden ver varias imágenes de personas de ascendencia africana que han ocupado papeles culturalmente significativos a lo largo de la historia en la pieza, incluidos John Lewis, Lauren Tate Baeza y las hermanas Zoey y Nola Jones.
Estas cifras se representan en trajes robóticos, a lo largo de un telón de fondo de la placa de circuito y elementos computarizados adicionales. Es evidente que las figuras son inextricables de los trajes, que es una metáfora del avance de la tecnología arraigada permanentemente en la humanidad. Se puede ver una multitud de símbolos dorados en toda la pieza, simbolizando la prosperidad.
Ashley Shaw Scott Adjaye, cofundador de Las historias de nosotrosopinó que la pieza muestra la esperanza y la incertidumbre que trae el avance tecnológico. Adjaye y nuestro corresponsal de IPS acordaron que Melanina machina Muestra los peligros de la excesiva dependencia de la tecnología, así como una interminable variedades de posibilidades para el progreso.
«Los sujetos se presentan como formas híbridas que adoptan los avances tecnológicos, al tiempo que priorizan nuestra salud, bienestar y seguridad. A menudo hay mucho miedo cuando se trata de la tecnología y cuán rápido está cambiando el mundo. En este momento de transformación, tenemos que abrazar y dirigir la tecnología para que nos sirva. La tecnología no es nuestra maestra, sino que debemos dominar como una herramienta de avance humano», dijo la tecnología.
Escultura de Leasho Johnson, Hombre de pie en un campo de bastónexplora el tema de la emancipación, con un enfoque específico en la abolición de la esclavitud en las Américas. La pieza presenta tres retratos abstractos diferentes, todos representando las diferentes experiencias de los negros esclavizados.
El primero de estos retratos representa la silueta de un hombre de pie en un matorral de azúcares. «Es un hombre, pero no pertenece a sí mismo: el cuerpo es una propiedad de la industria», explicó Johnson. Este retrato muestra la explotación de cuerpos negros, así como su falta de autonomía. Además, esta parte de la escultura enfatiza la importancia del recuerdo de la esclavitud y las décadas de lucha entre las personas de ascendencia africana.
El segundo retrato muestra a un hombre que emerge de un campo de caña, pero es difícil desconectarse por completo. Esto simboliza la dificultad de procesar trauma generacional y avanzar en la vida. «Incluso al mirar hacia atrás, todavía lleva esa historia con él. Habla del viaje de transformación que nunca es inmediato, es un surgimiento. Se está procesando y enfrentando el pasado, para avanzar», dijo Johnson.
El tercer retrato en esta escultura se inspiró en el artista de dancehall King Yellowman, que representa a un hombre que lucha con problemas de salud, pobreza y discriminación que rodea su albinismo. Adjaye comentó a nuestro corresponsal de IPS que la representación de la mandíbula del hombre period particularmente discordante, ya que contrastaba con el resto de la escultura y period un punto de atención inmediata.
Esta porción muestra las repercusiones de la esclavitud y el valor innato de una persona a pesar de las inmensas dificultades. Johnson espera que los espectadores se tomen el tiempo para mirar más allá de la superficie cuando se miran a sí mismos y a los demás. «Y sin embargo, veo a (King Yellowman) como alguien que estalla con el valor y la fuerza internos que experimenta en cómo su música crea espacio para la alegría, la irreverencia y el despertar de nuestros cuerpos, para que las personas se conviertan en algo más de lo que son. Para mí, él es la encarnación de nuestra capacidad como las personas para transcender lo que dicen los estereotipos y las realidades actuales que esperan, enraizadas en nuestra dignidad y autohelección, lo que cube el Johnson.
Escultura de Alanis Forde Viaje infinito Se centra en temas de crecimiento private en relación con la solidaridad transformadora. Esta pieza representa un autorretrato de Forde en el que está acostada y mirando su teléfono, ilustrando los aspectos positivos de la tecnología y la digitalización.
Forde está atraído por tener varios juegos de brazos y varias flores que estallan de su cabello. Según Forde, las flores son representativas de su país de origen, Barbados. Además, el uso del puntillismo por parte de Forde para la piel y el cabello del sujeto establece que el sujeto sea orgánico e entrelazado con la naturaleza y la tecnología. Forde agregó que esto se hizo para representar «cambios celulares» que ocurren dentro de todos nosotros.
«Para mí, los puntos y las transformaciones azules han significado tanto la auto realización como el uso de una armadura orgánica, de escamas, que me ayudan a prosperar en diferentes entornos: hablando de la transformación que también experimento a medida que me voy y regreso a Barbados. A veces somos una cosa en un espacio y algo más en otro.
La pieza closing de esta exposición es del artista haitiano Francks Deteus, titulada Olímpicos de Carib. Esta escultura examina el concepto de «buenos problemas», que «honra los esfuerzos globales para afirmar la humanidad». Representa a un grupo de nadadores que participan en una carrera de natación al estilo de los Juegos Olímpicos, con un nadador haitiano a la cabeza. Los nadadores de otras naciones siguen atrás.
Esto representa tanto la revolución haitiana como el deseo de naciones con una población principalmente negra para lograr el progreso económico y social. Una porción significativa de la escultura representa varios salvavidas amarillas, que adjaye interpreta como una representación de la ayuda humanitaria internacional, que a menudo no tiene éxito en el desarrollo verdaderamente del desarrollo para las naciones, y más bien actúa como obstáculos. El engaño, aunque está abierto a esta interpretación, declaró que los salvavidas amarillos son representativos de la presión internacional que la dinámica de poder desequilibrada pone a las personas de coloration.
Deteus le dijo a nuestro corresponsal de IPS que el agua de la piscina en esta escultura es «definitivamente agua oceánica áspera», lo que representa la lucha por estas naciones no solo para permanecer a flote sino también para prosperar. Además, esto actúa como un guiño al comercio transatlántico de esclavos y a las generaciones que descendieron de las poblaciones esclavizadas que se llevaron a tierras colonizadas.
«Haití ha sido tratado repetidamente una mano difícil. La esclavitud histórica de su gente dejó a la nueva nación independiente insoportablemente pobre. Pero esta pintura nos recuerda que cualquier cosa es alcanzable si nos unimos y nos unimos, bajo un banner», explicó Deceus. «La piscina muestra que cuando se reducen las barreras de la segregación y hay oportunidades, el éxito innovador sigue … e incluso cuando hemos compartido la dirección, tenemos nuestros viajes compartidos, y es a través del aprendizaje de esas diferentes experiencias que descubrimos empatía y solidaridad».
Informe de la Oficina de la ONU de la OPS
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